Mapas mentales - Desmitologización de la cultura escrita

Desmitologización de la cultura escrita

OBJECIONES

Hay que estar conscientes de 2 posturas una a favor y otra en contra de los mitos que se mencionan en la desmitologización de la cultura escrita. Es bueno hacer notar que si bien la escritura no es un factor determinante en el desarrollo cognoscitivo del ser humano, si es de vital importancia el mantener un sistema de escritura para la transmisión de ideas pues depende de ella la elaboración de documentos que legalicen cierto tipo de información y que por tanto no este manipulada y modificada.

Si bien es cierto que la escritura no es en un principio el único medio de comunicación y transmisión de conocimiento, me encuentro en oposición con el autor pues si vale la pena darle mayor importancia a aquella documentación escrita que tal vez llevó años de investigación a aquella que puede considerarse una fuente no confiable por ser simplemente oral pues no todo lo que se dice se debe de creer, en ese caso recaeríamos en una época precaria, en la de los griegos, que si bien fue cierto que impulsaron la dialéctica como principal medio de comunicación, también existieron las falacias que la gente escupía con tal poder de persuasión que se creía. Lo mismo sucedería en la sociedad actual.

También creo que la escritura es un medio importante ya que nos ayuda a pensar un poco más, a generar ideas con una construcción distinta y mayor lograda que cuando lo hacemos oralmente.

Por otra parte, estoy en total acuerdo con que funge como un medio de progreso y también de esclavitud social. Progreso porque entre más educación, mayor producción y mayor desarrollo pero siempre y cuando esa educación esté destinada a la superación, a crear mentes con ideas frescas que revolucionen a la sociedad y no para estancarla e idiotizarla en un sistema de educación bajísimo que no estimule a la población a aspirar más como sociedad.

CUESTIONARIO

¿Por qué no todo lo que se dice se puede escribir?

¿Qué era lo que los griegos impulsaban en lugar de la escritura?

¿Por qué Olson considera que la escritura también funge como medio de esclavitud para la sociedad?

¿Por qué Olson rechaza a la escritura como principal medio de transmisión de conocimiento cultural y científico?

La pregnancia de lo leído  ¿de qué depende?

Teorías de Edward de Bono y Arthur Koestler

Edward de Bono

Es considerado por muchos como la principal autoridad en el campo del pensamiento creativo, innovación y la enseñanza directa del pensamiento como una habilidad.

El Dr. de Bono nació en Malta, tiene una maestría en psicología y fisiología de Oxford, un doctorado en Medicina, un doctorado de Cambridge, un Des D. (Doctor en Diseño) de la Royal Melbourne Institute of Technology, un Doctorado en Derecho de Dundee. Tiene cátedras en las Universidades de Malta, Pretoria, Dublin City University y la University of Central England.

Edward de Bono es bien conocido por sus “Seis Sombreros para Pensar”

Este es un método sistemático de pensamiento que ofrece a las personas habilidades y herramientas que pueden aplicarse inmediatamente. Es una técnica simple y eficaz que ayuda a cualquier persona que lo aplica a ser más productivos en sus respectivos niveles de aplicación. Se separa el pensamiento en seis categorías distintas. Cada categoría se identifica con su propio color "sombrero de pensar" metafórico. Mentalmente uso y cambio de "sombreros", uno puede concentrarse o redirigir pensamientos, conversaciones, o la reunión.

Para el Dr. de Bono la argumentación es lo primordial, el argumento es la base del pensamiento normal, el argumento es una herramienta útil de pensar, sin embargo de Bono también dice que el argumento carece de energías constructivas, energías de diseño y energías creativas

Hoy en día en los negocios, como en todas partes, hay una enorme necesidad de ser constructivo y creativo. Hay una necesidad de resolver problemas y crear oportunidades. Hay una necesidad de diseñar nuevas posibilidades, no sólo para discutir entre dos posibilidades existentes. El autor dice que el argumento es insuficiente para lograr lo anterior así que agrega un segundo termino el cual llama pensamiento paralelo con el que cada persona tiene la posibilidad de pensar de forma creativa y buscar soluciones diferentes a las de los demás.

Los Seis Sombreros método Pensar es una forma práctica de llevar a cabo pensamiento paralelo. Este método es de fundamental importancia ya que nos ofrece, por primera vez, con un método práctico de pensamiento constructivo. Ahora tenemos una alternativa más constructiva con el argumento o la discusión a la deriva.

Algunas ventajas del método de los seis sombreros son:

• Obras que permiten ver los resultados inmediatamente

• Fácil de aprender, utilizar y poner en práctica

• No depende de otros (se puede usar por sí mismo)

• Modifica el comportamiento sin atacarlo

• Se puede utilizar en todos los niveles

• Mejora la interacción intercultural

• Reduce los conflictos

• Fomenta la cooperación

• Mejora la calidad del pensamiento

• Compatible con otras iniciativas de cambio

• ¿Está disponible a nivel mundial

Pensamiento Lateral - El tema de la "creatividad"

En el nivel más "creativo" significa traer a la vida algo que antes no estaba allí. Comprender la necesidad de la creatividad en los negocios y la industria de hoy es la parte fácil. Todo el mundo se enfrenta a la necesidad de crear un nuevo producto o servicio, resolver un problema, o el borde de ataque sobre los competidores. Entender el proceso de la creatividad y cómo las personas pueden aprender habilidades para ser creativo es lo que causa la confusión.

Esto requiere la creación de una habilidad especial. El programa de Pensamiento Lateral enseña la creatividad y la habilidad de los individuos de la generación de ideas durante el uso de sus conocimientos y experiencia.

El Dr. Edward de Bono es considerado por muchos como la autoridad mundial en el campo de la creatividad. Él es el inventor de la frase "Pensamiento Lateral", que se encuentra ahora en el Diccionario Inglés de Oxford.

Sus herramientas de pensamiento lateral se basa directamente en cómo el cerebro funciona como un sistema de información de autoorganización. De acuerdo con Edward, el pensamiento lateral es para cambiar conceptos y percepciones en lugar de tratar más con los mismos conceptos y percepciones.

Con la teoría del pensamiento lateral de Bono explica algo muy interesante y es que para crear no se necesita ser un artista, han sido muchos los ingenieros creativos, científicos, financieros, empresarios, etc, que no han sido artistas y han creado cosas maravillosas. Pensando en la creatividad, y sobre todo lateral, también están preocupados por cambios en las percepciones, conceptos, e ideas.

Es cierto que algunas personas tienen una curiosidad natural. Es cierto que algunas personas tienen una imaginación activa. Es cierto que algunas personas siempre están tratando de cambiar las cosas. Pero todos estos efectos también se pueden obtener mediante el desarrollo de las técnicas formales de pensamiento lateral. Con esto el Dr. de Bono quiere decir que la creatividad no es un talento ni mucho menos un don divino.

Muchos de los enfoques de la creatividad en América del Norte se basan en la idea de que todo el mundo es creativo, pero se inhibe. Así que el esfuerzo es hacia la liberación de la gente y liberarlos para que puedan ser creativos. La gente se anima a ser juguetón e infantil.

Lluvia de ideas tradicional es en sí misma un intento de liberar a las personas por que les permite decir lo que quieran sin temor a la censura. Pero esta idea de la liberación no es suficiente.

Una persona común atado fuertemente con una cuerda no puede tocar el violín. Eso es obvio. Pero si ahora cortar la cuerda, hace que la persona que liberó a un violinista? Corte de la cuerda es de hecho un paso necesario, pero sólo una persona step.The pequeña todavía tiene que adquirir la habilidad de tocar el violín.

Es lo mismo con la creatividad. Ser liberado puede ser un paso necesario, pero no es todo el proceso. También es necesario adquirir habilidades creativas. De hecho, la comprensión de la lógica de la provocación logra el mismo efecto que la liberación.

Arthur Koestler

Novelista británico, periodista y critico húngaro, fue uno de los principales representantes de los autores europeos políticamente activos, siempre estuvo en contra del totalitarismo soviético y tiene libros publicados que narran las injusticias por las que su país paso durante la Guerra fría. Desde 1956 se centró en principalmente en cuestiones de ciencia y misticismo, sobre todo en la telepatía y la percepción extrasensorial.

La teoría de Koestler combina las tesis de Poincaré (la génesis de ideas originales se producen por incubación, es decir, tras un período de pensamiento inconsciente.) con un análisis más intrincado del papel del inconsciente, fundado en la teoría de Freud. La hipótesis básica respecto de la inventiva y de la heurística es la misma que la de Poincaré: “la resolución de un problema requiere combinar pensamientos; dar solución original, creativa, supone añadir combinaciones nuevas”.

También Koestler hace notar que, por su etimología el verbo latino “cogito” significa primitivamente “agitar conjuntamente”. Según este autor, la historia de la ciencia puede ser considerada como una serie de “matrimonios” de ideas anteriormente tenidas por extrañas unas con las otras, o incompatibles entre sí; y en estas “bodas”, el casamentero es el inconsciente.

Koestler propuso el término “bisociación” para aludir al proceso por el cual las ideas antes no relacionadas son puestas en contacto y combinadas. Koestler establece además, una contraposición entre la “asociación”, y la “bisociación”, pues la “asociación” alude a contextos previamente establecidos entre las ideas, mientras que la “bisociación”  consiste en establecer conexiones donde antes no las había

Mis palabras favoritas

La clase pasado volvimos a tener una actividad relacionada con la creatividad, consistió en realizar una historia corta, un poema o historieta con las dos palabras favoritas de otro compañero, por supuesto las palabras se eligieron por sorteo y fue divertido porque cuando abrías el papelito y te dabas cuenta de la palabra, por lo menos yo puse a trabar mi ardilla para imaginarme que sería bueno escribir con las dos palabras. 

El resultado fue una dinámica bien interesante, los poemas o historias de los compañeros eran bastante buenos, algunos tenían más creatividad que otros pero considero que el resultado final fue muy bueno para todos.

Los problemas que surgieron fueron los mismo de la actividad pasada, muchos compañeros le dieron más importancia al contenido de la actividad es decir al poema o historia, pero el formato y las ilustraciones que se usaron fueron las básicas, sin embargo hubo algunos compañeros que experimentaron pegando cosas para ilustrar la historia en lugar de dibuja o en mi caso decidí escribir mi historia en forma de caracol para romper con el formato clásico. 

"Misterio de la creatividad artística" y "El niño como artista"

“El misterio de la creatividad artística”  y “El niño como artista” de Gardner fueron las lecturas que esta semana nos toco analizar y estos dos capítulos están muy ligados ya que el tema principal es la creatividad artística. A lo largo de estas lecturas el autor nos explica los procesos de transformación de la creatividad en relación con el humano, la creatividad artística se desarrolla de diferentes maneras en la persona y hay factores que van a ser determinantes para que el humano pueda ser artista.

Otro tema que también podremos encontrar en estos dos capítulos es la comparación del artista infantil con el artista adulto, Gardner compara la creatividad de la obra artística de niños en etapa preescolar con la de adultos y explica que relación hay entre el artista preescolar y el artista adulto. Me parece muy interesante el tema de la creatividad porque muchos diseñadores estamos consientes de que ser creativos debe ser una de nuestras cualidades, sin embargo muchos de nosotros carecemos de esta habilidad creativa a la hora de realizar nuestro trabajo.

En los capítulos anteriores, Gardner, nos hablaba de la sorprendente habilidad creativa que tienen los niños y que la única diferencia que existía entre el nivel de creatividad de un niño y un adulto eran las experiencias, como el adulto ha tenido muchas más experiencias que los niños su capacidad de crear es superior. Ahora en el capítulo 8 “ Explorando el misterio de la creatividad” Gardner pone muy en claro que el momento en que los niños se encuentran en la etapa preescolar, es el momento en el que su habilidad creativa se va a encontrar a un mismo nivel o muy cerca de la habilidad creativa del artista adulto, esto se debe a que cuando somos niños en esta etapa especifica, no nos preocupamos por seguir y obedecer reglas, los dibujos de los niños en esta etapa son en cierta manera egoístas son de ellos para ellos responden a sus gustos y no les importa lo que los demás piensen y lo más importante es que al no estar consciente de las reglas estéticas establecidas por los demás, no se preocupan por romperlas. La fase preescolar puede ser llamada la primera etapa creativa de las personas.

La siguiente etapa creativa es cuando el niño entra a la primaría, es decir, la etapa escolar, en está etapa los niños son más consientes de lo que hacen, es aquí que empiezan a comprender las reglas establecidas por la sociedad en la que se desenvuelven, en esta etapa la creatividad del niño sufre terriblemente una perdida de su producción artística debido a las limitantes que el Sistema Escolar impone. Si los niños no son invitados a que sigan produciendo obras artísticas de manera libre, sin preocupaciones y sin seguir normas, este puede ser el final de su etapa artística. Es muy interesante como Gardner nos habla de la perdida de creatividad porque nos explica que si en el presente tenemos problemas para producir obras artísticas es consecuencia de las limitantes que hay en la etapa escolar. Solo hay que ponernos a recordar nuestros días de primaría en que el recreo se volvía una jaula en la que no podías correr, gritar, pensar o divertirte porque ibas a dirección y justo así como entiendo el planteamiento de Gardner, si bien es cierto que la etapa escolar es en la que los niños alcanzan un nivel de conocimiento y comprensión en las obras artísticas de otras personas, imaginemos que pasaría si los niños fueran estimulados para que sigan creando obras de arte sin ponerles limitantes, invitarlos a experimentar con las diversas ramas de la cultura y el arte como tocar un instrumento, leer, dibujar, etc. El niño en etapa escolar no solo va adquirir los conocimientos de apreciación de las obras, también seguirá desarrollando su habilidad artística y el crecimiento será aún mayor.

La etapa de los años previos a la adolescencia es la siguiente fase de la creatividad en el niño, en esta etapa se puede dar el nacimiento de una etapa inicial en la creación artística del niño como individuo, se debe fomentar la creación artística en el niño durante su etapa escolar para que cuando llegue a esta etapa pre adolescente el niño traiga consigo ya ciertas bases de las cuales pueda partir para desarrollar sus habilidades y al llegar a la adolescencia con herramientas ya bien desarrolladas pueda competir con otras personas de su edad o mayores y que el mismo vea que no es malo en lo que hace para motivarse de esta manera  a seguir con su proceso de creación artística. Si el niño no llega a esta etapa con herramientas firmes y habilidades bien desarrolladas puede creer que no es competente y declinar su producción artística de manera definitiva.

Más adelante el autor nos habla del talento innato que sin ninguna duda es muy importante para los artistas, no basta con tener las ganas y la motivación por el arte, sin el talento innato es muy difícil estar al nivel de los artistitas que tienen este talento, sin embargo Gardner también dice que no solo por tener talento serás un gran artista creativo, la personalidad y el carácter son dos cualidades que van a tener un papel muy importante en el desarrollo de la habilidad creativa de los niños. El individuo propenso a alcanzar la grandeza artística debe tener la firme motivación de sobresalir, de destacarse. Debe estar dispuesto a vivir en la incertidumbre , a correr el riesgo de fracasar y de sufrir afrentas.

Una vida entera de experiencias, capacitación y dedicación separa al niño pequeño  cuyas datos no controlan, del artista adulto que controla sus dotes y sin embargo en el placer de la incesante exploración y en la voluntad de no prestar atención a lo que puedan decir los demás, existe un vinculo entre cada niño y cada artista adulto talentoso. Es muy cierto lo que plantea el artista y pos supuesto estoy con él al decir que la personalidad y el carácter son dos cualidades que no solo nos van ayudar a desarrollar la habilidad creativa, sino a enfrentar las dificultades que se presentan a los artista y buscar soluciones nuevas que nos hagan destacar en el arte.

“El niño como artista” ¿esto está bien dicho? El autor nos va a cuestionar acerca de si los dibujos que crean los niños pueden considerarse creaciones artísticas en comparación con las del artista adulto, a mi parecer si deben ser consideradas creaciones artísticas, tal vez los niños no tengan los conocimientos para hacer una síntesis formal de su obra y justificar porque razón esta utilizando esos colores en su obra, o porque decidió poner la mancha de pintura en ese lugar, pero las creaciones están cargadas de un sentimiento indescriptible que a mi me parece súper interesante. Hace un tiempo vi un documental titulado “My kid could paint that” en donde se narra la historia de Marla una niña artista que comenzó a tomar el pincel a los dos años y para los cuatro hacia cuadros cargados de un estilo expresionista abstracto impresionantes, por supuesto que hubo criticas en donde se decía que una niña no podía ser considerada artista, que las obras no eran realizadas por ella, etc,. La realidad es que sus cuadros se vendieron por millones de dólares. En 2012 Marla estará cumpliendo 12 años de edad y sería interesante ver que tanto a progresado su habilidad creativa ya que sus padres siempre la estimularon para que siguiera creando libremente lo que sentía sin limitarla.

Casos como este son contados y sería absurdo no considerar arte las obras de una niña de cinco años sabiendo que la creatividad se encuentra en su máximo esplendor en esta etapa de la vida. Creo que se puede considerar obra artística el cuadro realizado por un niño y se puede comparar con la obra de un artista adulto, simplemente hay que abrir nuestra mente y aceptar que un niño puede ser igual de creativo que un adulto con todas sus experiencias vividas.

Actividad “Cuento Creativo”

La actividad de realizar un cuento en equipo me pareció muy interesante porque fue un “cuento creativo”, cada integrante del equipo tenía que escribir una parte del cuento sin ver lo que el integrante anterior había escrito, lo único que se podía ver era la última palabra de la parte anterior. Fue un ejercicio muy interesante y divertido pero sobre todo creativo.

Teníamos que buscar un formato para el cuento e ilustrarlo pero no de la forma clásica, sino de forma creativa, podíamos utilizar lo que quisiéramos y la maestra iba a calificar la creatividad en las imágenes y en el formato del cuento.

Aquí viene la relación de esta actividad con la lectura de Creatividad que habíamos leído con anterioridad, porque en la lectura se habla del nivel de creatividad que tenemos los adultos con relación a los niños y cual es la importancia de estimular la creatividad desde la infancia. La creatividad esta muy ligada con las experiencias de la vida y lo que la maestra quería era que explotáramos la creatividad de todos los integrantes para romper con el proceso clásico de un cuento, es decir, usar un formato dinámico y diferente, que la planeación del cuento fuera interactiva y original.

La mayoría de los equipos no rompieron con la forma clásica y los formatos eran muy básicos, la planeación fue aburrida y sencilla, las ilustraciones fueron comunes y sin ninguna alteración interesante. Esto sucedió porque, como lo pudimos observar en la lectura, todas las experiencias que hemos tenido nos ligan a que un cuento es en formato cuadrado con un texto horizontal justificado y las ilustraciones son comunes. Nuestra creatividad ha sido limitada conforme hemos ido creciendo es por eso que algunas personas les cuesta explotar la creatividad más que a otras.

Diferentes concepciones de la CREATIVIDAD

Carl Rogers: Para Roger todo gira en torno a al persona funcional al completo, él considera que si te sientes libre y responsable, actuarás acorde con esto y participarás en el mundo. Una persona completamente funcional, en contacto con la actualización se sentirá obligada por naturaleza a contribuir a la actualización de otros. Esto se puede hacer a través de la creatividad en las artes o en las ciencias, a través de la preocupación social o el amor paternal, o simplemente haciendo lo mejor posible el trabajo propio.

Abraham Maslow: De igual manera para éste autor una persona creativa de ser una persona sana mentalmente y debe estar conectada consigo misma.

Maslow habla de dos tipos de creatividad la primaria que es la inspiración y la secundaría que es el trabajo, apoyado en otras virtudes como la obstinación, paciencia, laboriosidad.

También considera que una educación a través del arte ayuda al crecimiento creativo, pero no quiere decir que si desde niños hemos estados relacionados con el arte somos más propensos a crear obras de este tipo.

Rollo May: “La creatividad es el encuentro del ser humano intensivamente consciente, relacionado con su mundo”. Esté autor encuentra una relación entre el ser humano y su espontaneidad interior, con la naturaleza y su exterior.

Para Rollo May la creatividad no puede ser aprendida, es una disciplina que llega por si sola, cuando a una persona se le permite un pasamiento creativo, es decir, su individualidad y singularidad, tendrá la capacidad de ser autónomo y crear nuevas ideas, podrá plantearse problemas y resolverlos.

Alfred Adler: Para el autor toda persona por naturaleza tiene un “Yo” creativo que se demuestra más en la etapa infantil, sin embargo el autor logra comprender porque sucede esto.

Adler cree que el entorno social es uno de los factores que dan movimiento al “Yo” creativo y dice que este movimiento pierde fuerza si la persona creativa  elimina de su mentalidad pensamientos de superioridad y perfección.

Martin Buber: Decía en su Discurso sobre lo educativo, pronunciado en el 111 Congreso internacional de educación celebrado en Heidelberg en agosto de 1925, que cada individuo tiene en sí mismo las fuerzas básicas para la creatividad, cuenta con “fuerzas creativas”. Según el autor la educación tiene la tarea de desarrollar y ordenar las fuerzas creativas que cada persona tiene.

Margaret Lowenfeld: Opina de la misma manera que Buber al afirmar que mediante la creatividad puede establecerse la relación con el entorno. De ahí que la educación sea tan necesaria para la creatividad.

Carl Jung: Considera que existen dos tipos de personas creativas, el tipo psicológico que está conscientemente involucrado en el proceso creativo, por ejemplo, conscientemente define el problema y busca ideas.

Y el tipo visionario que es prácticamente una descripción suya, el creativo visionario es más interesante, más creativo, más místico y más “jungesiano”. Jung cree que la los creativos visionarios adquieren una inconciencia adquirida que se alcanza con las propias experiencias, con las imágenes que el creativo observa y los arquetipos. La inconciencia adquirida no puede ser heredada.

Otto Rank:. Para él la lucha esencial del hombre no era alcanzar la salud o la normalidad, sino expresarse creativamente, a fin de descubrir y expresar su propia singularidad y peculiaridad. El crecimiento personal se convierte así en el proceso de asumir la responsabilidad de la propia vida y expresar la voluntad creativa en las situaciones de la vida. Para lograrlo, un individuo debe enfrentar sus propias culpas y miedos, que han resultado en un patrón de comportamiento negativo, romper con ese modelo y tener el valor de arriesgarse a crear.

Para Rank el perfil del tipo creativo era el artista o el hombre de decisión, coraje y destreza, una persona dotada de un “Yo” fuerte. Para el autor la creatividad era lo contrario de la neurosis.

Jean Piaget: Su ideal siempre fue ser niño, para el la etapa de la infancia es la fase creadora. Para el los niños son más creadores, constructivos y originales. La educación es el elemento principal para que los niños desarrollan su capacidad creativa al máximo o al contrario la pierdan para siempre.

Para Piaget el entorno social es otro factor que ayuda al desenvolvimiento de la creatividad, los padres y los maestros son el último factor para que la creatividad se avive en cada niño y logre desarrollarla o ahogarla.

Howard Gardner: Al igual que Piaget, cree que la educación es el factor principal para el desarrollo de la creatividad, “la escuela ideal es la que enseña a aprender” esto es lo que dice Gardner.

El individuo creativo es una persona que soluciona regularmente los problemas, o define nuevas preguntas en un dominio que inicialmente se considera nuevo pero que en última instancia se acepta en una configuración cultural particular.

Robert J. Sternberg: Para Sternberg la creatividad es una forma de pensar y una de los elementos para tener una inteligencia exitosa. La inteligencia creadora hace falta, para formular buenos problemas y buenas ideas.

La creatividad es esa capacidad de producir trabajo que es a la vez nueva y apropiada. El individuo creativo es persistente haciendo frente a la resistencia.

Mihaly Csikszentmihalyi: Las personas creativas difieren las unas de las otras en muchos aspectos, pero 
en uno son unánimes: todas aman lo que hacen. No es la esperanza de lograr fama
 o riqueza lo que las conduce; en vez de eso, es la oportunidad de hacer el
 trabajo que ellas disfrutan haciendo lo que las guía. Debemos asumir que no es
lo que ellos hacen lo que cuenta, sino que cómo lo hacen.

La creatividad resulta de la interacción de un sistema integrado por tres elementos: una cultura que contiene reglas simbólicas, una persona que traiga la novedad en el dominio simbólico, y un campo de los expertos que reconocen y validan la innovación.

Como nos podemos dar cuenta, el estudio de la creatividad es bárbaro, psicólogos, pedagogos y filósofos han estado interesados en el estudio de la creatividad desde hace ya un buen tiempo. Lo que me parece muy interesante acerca de este tema es el debate que existe acerca de si la creatividad se puede aprender o no, como lo vimos hace un momento con algunos autores no importa la edad ni la situación toda persona es creativa y puede aprender a desarrollar su creatividad; sin embargo también vimos autores que se ponen del otro lado de la barca argumentando que la creatividad es algo con que ya se nace, algo natural que con ayuda de la educación puede llegar a desarrollarse en su máximo.

Para mi la creatividad es un proceso que requiere de distintos elementos como los sentimientos, las vivencias, la imaginación, la libertad, la creación, etc., es una cualidad que todos los humanos tenemos pero depende mucho de lo que suceda en nuestra etapa infantil para poder desarrollarla, podemos convertirnos en seres creativos por excelencia o dejar que nuestra fuerza creativa se valla debilitando poco a poco.

No creo que la creatividad sea algo que se aprenda, pero estoy de acuerdo en que todos podemos ser seres creativos algunos con un nivel de creatividad muy alto y otros con un nivel casi nulo, todo depende del ambiente social y la educación artística que tengamos.

La importancia de la LECTURA

Aprender a leer, aprender a escribir, pero sobre todo aprender a comprender debe ser lo más importante a la hora de ponernos a estudiar. La clase pasada comentamos una serie de lecturas que nos hablaban de la importancia del libro y la lectura, por supuesto que los textos fueron muy interesantes pero el que me gusto más fue el que nos hablaba de la importancia de enseñar a los niños a leer y a disfrutar de la lectura.

Cuando somos niños es más fácil hacernos entender las cosas y crear un habito de lectura a está edad es lo esencial. Los padres deben enseñar a sus hijos que el tener un libro en las manos no es un castigo sino un regalo de conocimiento. En las escuelas se debe hacer lo mismo crear en los niños un amor a los libros y como lo mocionaba el autor, de los textos que leímos, crear grupos de lectura en donde exista una interacción entre compañeros y se haga una riqueza de conocimiento a la hora de leer.

Uno de los problemas que menciona el autor es que la mayoría de las veces es difícil que los padres enseñen a leer a sus hijos cuando ni siquiera estos saben leer correctamente. Tomar un tiempo para disfrutar de la lectura, aprender a comprender el texto y mantener la información en nuestra cabeza por más de dos segundos es lo que debemos de hacer para tener un buen tiempo de lectura.

La ventaja de saber leer y tener un gusto por los libros es que nuestro vocabulario será extenso, nuestra escritura será perfecta y nuestros conocimientos serán a montones.

Los libros son un regalo de la comunicación y en la actualidad siguen teniendo la vigencia que tenían en sus inicios, tenemos que darnos la oportunidad de conocer las riquezas de la lectura y si empezamos por cada uno de nosotros, podremos transmitirlo a otras personas y esas personas a otras y poco a poco hacer el cambio entre todos, suena imposible pero la única forma de crecer como personas es educándonos, aprender a leer no debe de ser una obligación sino un gusto personal que nos dará buenas cosechas.

Un genio de la creatividad visual

Un genio de la creatividad visual

La lectura “Un genio de la creatividad visual me pareció muy interesante, de acuerdo con la lectura, los seres humanos, somos unos virtuosos de la vista porque lo que sucede cuando vemos no es un proceso inconsciente de estímulo y respuesta, sino un proceso sofisticado de construcción que en la actualidad se está terminando de comprender. En menos de una fracción de segundo nuestra inteligencia visual puede construir la forma de caminar o los colores de un objeto, cosa o animal, puede construir los matices de un atardecer o cualquier otra escena de la misma complejidad.

En el texto se hacen tres ejercicios para darnos cuenta de la relación que existe entre la lógica con lo que vemos, percibimos y sentimos.

En el primer ejemplo está la figura de un onda, un dibujo bidimensional, lo que percibimos nos dice que la onda tiene volumen y la podemos tocar, pero a la hora de sentir nos damos cuenta de que es imposible porque es una figura plana. La lógica nos die que la onda no puede ser a la vez plana y no plana, de modo que nuestro sentidos y lo que percibimos está mal.

El sistema visual es él que ha construido una onda muy elaborada en el espacio y la dota de diversas partes.

De acuerdo con ese ejemplo que pone el autor en su libro, puedo decir que no debemos confiarnos de todo lo que vemos, porque nuestro sistema visual es el que está haciendo la construcción de la figura y está cometiendo un error.

Sin embargo, aunque parece que la culpa de todo la tiene el sistema visual, también se debe argumentar que el sistema visual crea una inconsistencia simplemente porque, desde la figura, no hay manera de crear otra cosa. La naturaleza y misión del sistema visual es la de crear, y en este caso no puede crear nada que sea lógico. Todo lo que vemos es construido por el sistema visual los colores, los matices, las texturas, el movimiento, la forma, los objetos, etc.

Cuando usamos la expresión “lo que ve” para designar como nos parece que son las cosas, el modo en que experimentamos con el objeto mediante la percepción visual; se está hablando del sentido fenomenal. Del mismo modo podemos estar utilizado la expresión “lo que ve”, sin embargo ahora nos referimos a la interacción que tenemos al mirar algo, se está hablando del sentido relacional.

La diferencia entre estos dos sentidos es que para ver una cosa en sentido relacional debe de existir esa cosa, en cambio ver en el sentido fenomenal se refiere a una experiencia visual que nosotros estamos creando.

Para que sea más fácil entender estos dos sentidos podemos decir que cuando miramos algo estamos en un sentido fenomenal, porque estamos interactuando  solo visualmente con el objeto y podemos construir sus colores, formas, texturas, etc. Y cuando estamos viendo una cosa estamos en un sentido relacional porque interactuamos de manera profunda con el objeto.

Más adelante en la lectura se habla de algo muy interesante y es está relación que existe entre los humanos y los animales, la visión. Algunos animales tienen constancia cromática que es la capacidad de detectar el color al interactuar con la luz, es decir los cambios cromáticos.

La visión implica construcción, construir constituye la esencia de la visión. Las figuras sencillas pueden crear diferentes formas y esto es porque nuestra visión las crea, como en el ejemplo del cuadrado mágico que pone el autor, a partir de líneas muy sencillas nuestra visión crea un cuadrado que en realidad no esta ahí, sin embargo cuando las líneas se vuelven más complejas el cuadrado es más difícil de observar.

Está construcción que crea nuestra visión es una fantasía visual y al igual que nosotros los animales también pueden tener fantasías visuales, la diferencia es que quizás las creaciones de nosotros humanos no nos engañan hasta el punto de despistarnos.

Las aportaciones que se han hecho al estudio del sistema visual son interesantes, por ejemplo, el fisiólogo alemán Hermann von Helmholtz, describió a la visión como un proceso de construcción inconsciente.

El neurofisiólogo británico David Marr, pensaba en la visión en la visión como un proceso activo que tenía una inclinación a construir.

El historiador de arte Ernst Hans Gombrich explica que las personas contemplan un cuadro de arte y lo interpretan mediante procesos de construcción inconscientes y automáticos, a los que denomina proyección, y también lo puede contemplar mediante procesos conscientes y más elaborados a los que llama conocimiento.

Llegando a la conclusión de la lectura se habla de un tema que se me hizo más que interesante y es como los niños son unos genios de la visión que a partir de sus primeros años ya pueden construir el mundo visual en tres dimensiones. Sin embargo la visión tiene un problema fundamental y es que la imagen que capta el ojo tiene incontables interpretaciones posibles.

Todo mundo construye un mundo visual a partir de tres dimensiones espaciales: altura, anchura y profundidad. Para aprender a construir estos mundos visuales, se necesitan una serie de reglas universales con las que se supone fuimos dotados. Estas reglas de la visión universal funcionan de manera parecida al lenguaje, ambos establecen ciertas limitaciones que permiten se unifiquen la visión como la lengua y exista una concordancia en lo que todos observamos y hablamos. Podemos decir que las reglas de la visión universal son la base de la cual se parte para establecer las reglas del procesamiento visual. Las reglas del procesamiento visual son aquellas que permiten que una persona competente a nivel visual pueda construir escenas visuales solo con mirar y son elemento clave de la inteligencia visual.

Ensayo 1 - Libro de lectura rápida cap.1

Jesús Alberto Elías Andrade

Grupo 5524

Ensayo 1

Tony Buzan, “El libro de la lectura rápida”                                                                                            

Capitulo 1. ¿Cuál es su punto de partida?                   

En este primer capitulo del libro de Tony Buzan, se hace un ejercicio de lectura para saber cuantas son las palabras que leemos por minuto y cual es la comprensión de lectura que tenemos. El objetivo de esté libro es ayudar al lector a que aumente su velocidad de lectura pero que mantenga o mejore su comprensión a la hora de leer un texto.

Seguí las instrucciones del autor y realice el ejercicio de lectura, puse mi cronometro en marcha y comencé a leer, el texto que se maneja son pequeños párrafos que tratan de diferentes temas con el objetivo de saber cual es la comprensión de lectura de cada lector. Al finalizar el texto hice la operación que indica el libro para saber cual fue mi velocidad de lectura.

Para obtener el número de palabras por minuto (ppm) se divide el número de palabras totales del texto leído entre el tiempo que se realizo. Mis resultados fueron de 231 ppm lo que me ubica como un lector en nivel medio. Tony Buzan nos explica que el resultado no debe preocuparnos ya que objetivo del libro es ayudarnos a que nuestra velocidad de lectura aumente entonces al finalizar el libro se hace una comparación entre el resultado inicial y el final.

Con el ejercicio de lectura me pude dar cuenta de que mi velocidad al leer un texto es la misma que la de un niño de secundaría, aparentemente los chavos de universidad tienen una velocidad de lectura de aproximadamente 320 ppm, sin embargo el autor explica algo muy interesante y dice que el leer una gran cantidad de palabras por minuto no significa que comprendamos al cien por ciento el texto. La diferencia del porque un estudiante de universidad lee más rápido que un estudiante de secundaría es el tiempo que dedican a la hora de leer.

De acuerdo con el autor se pude alcanzar una velocidad de lectura de más de 1000 ppm y teniendo una comprensión de lectura excelente, por supuesto que al leer este dato quede impresionado y con las ganas de seguir leyendo “El libro de la lectura rápida” porque va a dejarme un beneficio como lector. Soy un estudiante universitario y por lo mismo el tener la habilidad de leer rápido y comprender muy bien el texto sería maravilloso adquirirla.

Siempre había pensado que los cursos que aparecían en la televisión en donde te decían que podías aprender a leer y comprender un libro en minutos eran una mentira pero ahora que he comenzado a leer el libro de Tony Buzan, me doy cuenta de que es posible mejorar la forma de leer y aprender a comprender el texto mucho mejor, solo tenemos que modificar nuestros hábitos de lectura y seguir los tips del libro de lectura rápida.